神曲的创作方法

吉他录音杂志《Sound Designer》 2017 年 9 月号刊登“‘动画歌曲作曲术’最前线”特辑，以 30 页的篇幅，刊登了神前晓、田中秀和、大石昌良、Tom-H@ck、藤永龙太郎、ヒゲドライバー等动画歌曲创作者的访谈。Anitama 将陆续翻译，与各位对动画歌曲感兴趣的读者分享。

想必许多读者都会想知道，融合了种种音乐风格的动画歌曲，是怎样制作出来的。MONACA 的神前晓和田中秀和两位创作出众多神曲的音乐人，将会从专业人士独有的视角，讲述动画歌曲的制作。

神前晓：

原本就职于 Namco（现 Bandai Namco Studio），2005 年秋加入 MONACA。2006 年担当音乐的 TV 动画《凉宫春日的忧郁》爆红，之后发挥抓耳的旋律感，在配乐和动画歌曲的作编曲、制作等多领域活动。担当音乐的电影《烟花》在 8 月 18 日全日本东宝系影院上映。

代表作：

• 《凉宫春日的忧郁》《幸运星》《物语》系列等动画、游戏配乐
• 《凉宫春日的忧郁》动画插曲《God knows…》《Lost my music》、OP《Super Driver》等
• 《幸运星》动画 OP 《もってけ!セーラーふく》等
• 《物语》系列动画 OP 《恋愛サーキュレーション》《sugar sweet nightmare》《白金ディスコ》等

田中秀和

经由担任神前晓的助手，在 2010 年加入 MONACA。以歌曲为中心，广泛进行乐曲制作，过耳难忘的旋律和基于丰富感性的和声感是最大的魅力。参与了《偶像活动！》系列和《偶像大师 灰姑娘》等众多畅销作品的音乐。将于今年 10 月开始播出的 TV 动画《Wake Up, Girls! 新章》的 OP 主题歌《7 Senses》也是由他担任作编曲。

代表作：

• 作为 MONACA 的一员参与《迷糊餐厅》《偶像活动！》《偶像大师 灰姑娘》等动画、游戏配乐
• 《潜行吧！奈亚子》动画 OP 《太陽曰く燃えよカオス》《恋は渾沌の隷也》
• 《偶像大师 灰姑娘》动画 OP 《Star!!》等
• 《物语》系列第二季动画 ED 《snowdrop》

---

首先，从动画歌曲创作者的视角来看，动画歌曲的魅力和特征在哪里呢？神前说，动画歌曲是“为作品而生的音乐”。比如说动画的片头曲，配合着 89 秒的影像，那种和影像合而为一时的爆发力，就是其魅力所在。

但是，要从音乐的角度来说动画歌曲的特征，却意外地会有难度。田中指出，动画歌曲融合了种种的音乐风格，构成往往非常复杂，同时节奏也会很快。但是从某种角度上来讲，日本的偶像歌曲也有着相同的要素。

总而言之，动画歌曲中，往往富有种种“花招”。为了在短短 89 秒里，尽可能地吸引听众，动画歌曲下了十足的工夫。

当然，J-POP 也会使出许多“花招”，来吸引听众听歌。但是动画歌曲的“花招”，却往往是更单纯的、音轨制作上的巧思。动画歌曲的伴奏往往非常花费苦心，声音的量也非比寻常。这不是说 J-POP 不重视伴奏，而是比例上的问题。J-POP 在创作构思时，“歌”是主体；而动画歌曲相反，“动画作品”才是主体。比起卖歌，动画歌曲要表达的，是作品的世界观。神前晓认为，动画歌曲，是歌和伴奏两方面都重视动画的方向创作出来，通过二者的相乘表现出的音乐。

另外，动画歌曲有一个雷打不动的“89秒”限制，可以说是其一大原则。神前自己会在最终阶段调整前奏的长度，所以并没有感受到什么限制。倒不如说对他来说，89 秒已经嫌长了。如果没有前置副歌，普通地写一遍主副歌，差不多只要 70 秒左右。

而田中则和神前相反，感到 89 秒对自己的限制很大。他普通地写一遍主副歌，就已经会超过 89 秒了。如果是写完“两遍主副歌→间奏→最后一遍副歌”的完整版，往往会写成非常长的一首歌。但是反过来说，之所以刚才说的这种完整结构会成立，也正是因为一遍主副歌被限制在了 89 秒。他认为，“89秒”不仅限定了动画中使用的短版主题歌的长度，实际上也规定了歌曲完整版的展开。

---

接下来，两位音乐人分别讲述了自己创作歌曲的方法。

神前基本上是以键盘作曲，一般用的是 Studio Logic Numa Compact，或者比较认真的时候会用河合的数字钢琴。他一边弹键盘，一边用 Steinberg CUBASE 软件录录音。在信手弹奏的过程中确定下节奏感和和弦感之后，再赶紧把伴奏也写出来。思考旋律的过程中，编曲有大概三成也已经想好了。

虽然神前不会自己唱样歌，但是在弹伴奏的同时，他也会自己唱歌。毕竟是歌曲的旋律，不自己唱，是想不出来的。顺带一提，他写伴奏的时候，基本上用的是四大件，使用的是下列的音源：

• 鼓：Yellow Matter Entertainment Steven Slate Drum 4
• 贝斯：IK Multimedia MODO BASS
• 吉他：MusicLab RealGuitar 系列
• 钢琴：Synthogy Ivory

而田中则是在 MIDI 键盘上用 Ivory 音源弹着，用打草稿的感觉，在 Apple Logic Pro X 上录音。这个时候，他也会像是自弹自唱一样横着构思歌曲。除了键盘之外，他有时候也会弹着吉他，从一个类似吉他连复段的点子出发作曲。

田中的常用音源，是如下几个：

• 鼓：FXpansion BFD3
• 贝斯：Native Instruments KOMPLETE 套件中的 SCARBEE 系列
• 吉他：MusicLab RealGuitar 系列
• 钢琴：Synthogy Ivory

虽然作曲的时候会用上吉他，但是田中并不会在作品中自己演奏吉他，而是先用 MIDI 写出来，最后请专业的吉他手来重新录音。在写伴奏的时候，他会把细致的调音都用 MIDI 写出来。因为使用的是 MIDI，所以等接下来写乐谱的时候也可以省下不少功夫。

---

说到吉他，对于动画歌曲中吉他的使用方法，两位音乐人也发表了自己的看法。

田中说，从“像动画歌曲的吉他”的观点来说，有几种固定的使用方法，比如说在前奏和间奏中，和合成器 SuperSaw 音色打底相呼应的吉他乐句；或者是副歌里用上双倍的偏向强力和弦的低重心吉他音，填充起整个伴奏等。但是，田中自己是尽可能不想使用这些“像动画歌曲的吉他”的。

神前戏称田中的这种想法是“叛逆期”。但他自己其实也是一样，对田中所说的那些主流的用法没有多少兴趣。但是话虽如此，把握住那些常套的要点还是很重要的。在遵守这些要点的同时，要怎样再另辟蹊径，就是关键。神前说，他认为，吉他的魅力在于“帅气”。但是他不觉得刻意为之就能装出帅来，反倒是稍微不走平常路一点，更能让他感到帅气。

田中也说，他在动画歌曲里使用吉他时，比起用失真的很“燃”的音色，用得更多的是清音的切弦。另外，虽然吉他这种乐器很容易就可以让六根弦同时发声，但是他有时不会这么做，而是会让吉他手同时拨响根音、9 度和 3 度或者 7 度。

神前说，吉他在音乐中的魅力，在于能支撑起空间的和弦感。即使吉他在配乐中不显山露水，也会有一种不知道为什么反正没有它就是不行的声像感。

田中补充说，吉他这种乐器，就算是没有音调的噪声一样的要素，也可以听出十足的音乐感。所以当他请职业吉他手演奏伴奏时，比起按着谱子弹得干干净净的，更希望对方能把移品时产生的噪声之类也作为音乐的一部分，所以他经常会采用保留了粗放感的吉他录音。

说起吉他，神前还指出，在电脑上设想了合奏效果写出吉他小样之后，等到了录音室开始用真吉他录音之后，有时就会感到自己写得“过多了”。田中对此深有同感。他说，可能是因为电脑里的数字合成音总是缺乏说服力，写起来难免会塞得过满。所以，当把各部分替换成真实乐器录音时，就会觉得“不用加这么多吉他也行吧”。

所以神前认为，吉他部分，可以说是在正式录音的时候，和吉他手一起完成编曲的感觉。说极端一点，弦乐和管乐之类的录音，只要乐谱写得够认真，就算自己不亲临录音现场，也可以录制出很好的演奏。但是唯独吉他，却必须有编曲家在现场。

---

说起动画歌曲，必不可少的就是其“抓耳”的特性。神前和田中两位都曾经写出过不少抓耳的歌曲，这些歌曲的“抓耳”魅力都是怎样孕育出来的呢？

神前说，他自己也经常思考这个问题。他感觉，一首歌够不够抓耳，取决于创作者有没有掌控好歌曲在“套路”和“不走寻常路”之间的比例。比如说旋律，如果循规蹈矩地作曲，其实并没有那么难。但是，那些出人意料的、奇想天开的旋律，光靠理论是很难写出来的。

所以，神前自己刚开始写一首歌的时候，首先要完全放飞自我，随心弹奏键盘，好弹出不寻常的声音来。虽然弹奏出的往往都是些泯然众人的旋律，但偶尔也会有一瞬间出现惊人的东西。但是，如果只靠这一段灵光乍现，就会写得太荒唐。所以他要用客观的视角来调理这段旋律，判断“这样太难以让人接受”“太无聊了”。如果一开始切入的方法就不够有力，那么不管写多久都只能写出千篇一律的歌曲。

这么说，可能会让人误会只有一开始的灵感是最重要的。实际上，打磨的方法也是关键。为此，神前写出一首歌之后，有时会先睡一晚，等到第二天再重新听起。这是为了能够适度地忘掉自己写出来的曲子。忘掉了的自己，视角就比较可观了。这时候如果还能感受到惊异之处，就要好好打磨这里，让它更加焕发光彩；如果觉得“这里太恶心了”，就要把这个地方重新写过。这不是技巧或者诀窍，要说的话，只是一种手法而已。

田中听了这番话，深受感动，表示自己受教不少。他说，自己越是投入创作，旋律就会变得奇形怪状。其实他也想要学习神前，调理旋律，写出更容易入耳的歌曲。

神前则反过来夸奖说，正因如此，田中才能写出从好的意义上非常复杂的歌曲。像《偶像大师 灰姑娘》动画插曲《Ｍ@gic☆》之类，那种旋律如果是在键盘上信手乱弹就能弹出来的，那可是变态了！听田中刚才的这番话，那些旋律都是他精心构筑出来的，也让神前感到可以接受了。

田中也称赞说，神前的厉害之处，在于他的歌曲明明也都一切是“设计”出来的，但听起来却完全是妙手天成，没有丝毫雕琢痕迹，听者只会觉得非常自然。他之所以会知道神前的作品、对他心生崇敬、走上今天的道路，也正是这个原因。

还有，神前写出的“在配乐里放上这样的旋律听起来肯定会很舒服”的旋律，可以原封不动地再拿到歌曲里，这也是神前的强项。例如《化物语》中的《staple stable》，就正是这一类型的歌曲。

又比如说《人鱼又上钩》主题歌《七つの海よりキミの海》，明明很抓耳，却非常地复杂，田中称其为凝缩了神前的魅力的一曲。况且，不光是田中这样的职业音乐人会这么想，这些歌曲的设计，还可以让一般听众也感受到“这歌厉害了！”。在这种“设计”出来的歌曲上，神前可以说是独一无二。

面对后辈热情洋溢的赞美，神前也列举了一首希望各位读者听听看的田中作品，那就是《Anne Happy♪》的主题歌《PUNCH☆MIND☆HAPPINESS》。虽然这首歌曲用了许多奇怪的增三和弦，但是写这首歌时的田中，一直都是在进行种种挑战。这种从技术挑战中诞生的不合常规的和弦用法，与动画自身的内容结合得很好，而且也保持了流行性，这种平衡可以说非常完美，给神前也留下了深刻的印象：之前一直在做些怪事的田中，终于升华到这种境界了吗。

---

最后，两位音乐人也向有志于像他们一样创作动画歌曲的读者给出了宝贵的建议。

神前说，希望大家大量地 copy 已有的歌曲，不限于他们自己的歌曲或者是动画歌曲，从大量的歌曲中掌握基础的路数。不光是自己用耳朵扒谱，购买官方的乐队乐谱。一边看“答案”一边录入到电脑里进行研究也没问题。他自己也经常一边听歌，一边看着乐队乐谱，分析“原来这首歌的这个部分是这样的”。因为乐谱就是这样有莫大帮助的“教科书”。

田中则补充说，在彻底 copy 喜欢的歌曲的同时，打磨感受到“我是被这个地方打动的”的感觉也非常重要。另外，还要把自己写出来的歌拿出来给别人听。就算你自己觉得没有自信能昂首挺胸让别人听自己的作品，但是别人可以给你客观的意义，如果得到夸奖还可以提升动力。田中说，保持一颗在乎听自己的歌的人的心，至关重要。